La alienación social y el formalismo poético de los 50´estadounidenses.

No es la intención ser esnob, término ya acuñado por muchos para acusar el acto de escalar en las vertientes culturales de la literatura. Cuando la política no ofrece ninguna posibilidad de existencia y la democracia agoniza por allá donde la miremos, si te hallas excluido también del mundo laboral como es mi situación actual, veo necesario e indispensable verter nuestras lecturas a la heterogeneidad que nos ofrece la literatura y no la simple lectura de nuestra pantalla de ordenador, ni el sopor informativo televisivo.

Subway, 1950, G. Tooker

Con sorpresa, muchos críticos afirman que en los Estados Unidos de los años 50, 60 y 70 falta un pensador estilo Ortega y Gasset, es decir un pensador en general de tradición francesa y alemana, que tuvo en él su más típico representante hispánico. En relación a esto, pienso en uno de los pintores figurativos que extrañamente me llamó la atención por encima de toda la abstracción que tanto me ha llenado prácticamente hablando, George Tooker (New York, 1929-2011). Sus obras tratan de la alienación de la condición humana en la sociedad contemporánea. Una soledad en compañía, cuyo agrupamiento no coincide con lo semánticamente real, que sería una relación con lo social. Los numerosos personajes de sus cuadros parecen muertos, congelados, sustraídos, extintos, sus ojos vacíos parecen mostrar la cruda realidad, como estar en un más allá donde el pánico es diario, un mundo orwelliano que trasciende e invalida lo humano.

George Tooker

Sus pinturas son una evocación austera de la alienación social y la conformidad intelectual de la década de los 50, aunque también la actual ofrece una falta de confianza absoluta y una brillantez tan cegadora que nos frustra al ver que la política se aleja cada vez más a Babel, mientras nosotros seguimos como podemos en la tierra, que tan hostil nos la quieren hacer ver. La incomunicación, la ausencia de contacto, de apoyo…

George Tooker

En estas décadas, en EEUU la poesía arranca desde un formalismo que retoma la estética de años anteriores. Las universidades toman y asumen el papel difusor de la estética poética. Bajo este arranque tan despegado de lo humano, tan alienante y por ello quizá tan formalista, hermética y sabia se agrupan Theorodore Roehtke (1908-1963), con una poesía caracterizada por un uso de  la infancia y de la naturaleza con una escasa y cuidada producción, Elizabeth Bishop (1911-1979), pintora y poeta observadora que describe de forma fría, distante y realista la figura humana y animal. Randall Jarrell (1914-1965), es quizá el máximo exponente de esta corriente formalista aunque se aleja bastante con su conflicto interior del puro formalismo de los anteriores. Conflicto originado en la vivencia de la guerra, como aviador, mostrándola crudamente. Por supuesto no hay que olvidar a otros poetas de este movimiento formalista y reflexivo estadounidense como Nemerov, Wilbur o Merill, poetas más formalistas, con una poesía más ordenada y con un lenguaje pulido y claro, que los primer.os, rozando el virtuismo de lo equilibrado y sereno, generalmente con un motivo de descripción, casi narrativo.

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Aspiro a una profundidad sin adornos. Francisco Javier Irazoki

Más allá de lo puramente escrito, prosa poética o poesía prosaica, está Francisco Javier Irazoki ( Lesaka, Navarra, 21 de Octubre de 1954), poeta, traductor  y periodista musical.

Francisco Javier Irazoki

1.¿Cómo definirías tu línea de creación poética?

Me han colocado la etiqueta de “surrealista”, pero no me identifico con ella. Me gusta el vocablo realidad. Contiene lo tangible y muchos estratos ocultos. Como he dicho en varias ocasiones, aspiro a una profundidad sin adornos.

2.La música y la poesía son cercanas, sí, pero ¿de qué forma y qué motivos han moldeado esa poesía?

La escritura de “Los hombres intermitentes” coincidió con mis estudios musicales en el conservatorio. Incluso en las frases aparentemente muy sencillas puse el esmero de la música, una pasión que me acompaña desde la adolescencia. Lo principal es la sustancia del poema, de acuerdo, pero necesito un grado de eufonía. 

3. Puesto que la prosa juega en tu obra un punto importante, si no primordial, ¿crees que la estructura supone un corsé a la creatividad?

No creo que la poesía pueda estar prisionera en unos límites severos. Yo la identifico con una fiesta de la libertad. Por ese motivo, sin renunciar definitivamente al verso, en los dos libros más recientes he usado sólo la prosa.     

4. ¿La poesía como compromiso ante no sólo lo social sino al pensamiento y a la crítica o…?

Sí, pero procurando ofrecer el mejor arte. La denuncia se deshace en el libelo. Al escribir pienso en los artesanos que cuidan con precisión hasta los detalles que pasan inadvertidos. El escritor es también un cuidadoso fabricante de sillas verbales.

5. Por la vía académica, digamos, podemos llegar ahora a la literatura, o a la poesía. Dentro de esta fugaz actualidad, introducir el término poesía siempre parece algo extravagante. Cuando hablamos de poesía es como escuchar a Morton Feldman en un pub nocturno. ¿Aún está vigente el hecho de que la poesía es un sí en si mismo sin ningún tipo de aditamentos?

Me parece que podemos reconocer la poesía aunque esté en un lugar inesperado. A veces la encuentro lejos de su medio habitual. Supera los dogmas y las cárceles académicas. Por cierto, ignoro si Morton Feldman tenía sentido del humor. Era muy amigo del bromista John Cage, lo que es buen síntoma. Quién sabe, a lo mejor hubiese sido capaz de darnos música con sólo recoger los ruidos de un pub. 

6. ¿En una hipotética cumbre poética qué autor/a situarías en él?

Desde el principio he visto a Jorge Luis Borges y César Vallejo en esa cima. Las páginas de Luis Cernuda no están situadas lejos de la cumbre.

7. ¿Crees necesario un recital poético junto a la  publicación de una obra? ¿Cuál es tu óptica en este punto de realizar perfomances a la hora de recitar?

Personalmente prefiero la sobriedad. Sin alharacas ni músicas decorativas. Más aún: lo ideal me parece el encuentro silencioso entre el poema y su lector. Por descontado que no desprecio otras maneras de transmitir la poesía. Pero los envoltorios estéticos envejecen con rapidez.  

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PALABRA DE ÁRBOL

        No conocí al que murió en el vientre de mi madre. La abuela lo recogió, dijo que era grande como un guía y lo puso en el hoyo que el padre había cavado entre las raíces de mi higuera preferida.
 
      Yo pasaba tardes enteras bajo el gris áspero de las hojas del árbol, esperando que naciesen los higos. Cogía al fin el fruto blando y tocaba su piel negra que después deshacía en tiras. Cada hilo era una puerta para adentrarme en mi hermano muerto y lo paladeaba al ritmo lento de un viajero antiguo. Luego rompía con los dientes las semillas menudas del interior. Ellas contenían palabras, voces que subieron por la savia de la higuera.
         Los otros niños crecieron descubriendo aventuras. Para mí, crecer fue sentir el paso del tiempo al escuchar los mensajes que un muerto me enviaba desde sus frutos.
        Alguien quiso una ceremonia devota en aquel lugar. De la cartera de mi ojo derecho saqué una lágrima inmóvil. Una lágrima petrificada que se transformó en blasfemia de fuego cuando la deposité en la escudilla situada a los pies de los ídolos.
 
                    (Del libro Los hombres intermitentes. Hiperión, 2006)
 
 
 
 CARTA A LEONARD COHEN

    Ahí están las calles de compás negro, donde los cortejadores de la aguja calientan su porción de olvido. Suena un concierto de ambulancias sinfónicas.

    Es invierno en París y, bajo los soportales, canta una mujer muy bella. Las miradas de los viandantes acarician su vestido de aguaturma. Ella sonríe desde la pobreza elegante, apoyada en una pared que parece un signo de interrogación, y a veces me habla con esa leve dejadez de quien habita en casas en las que nadie barre la tristeza. Al final canta tus canciones. Entorna los ojos y los versos se posan sobre un diminuto cadáver embozado en escarcha.

     Sé que envejeces, Leonard, que oyes cómo en la habitación contigua gozan contra ti las mujeres amadas y que te alivias describiendo el peso de la melancolía cifrada en lluvia. Te convendría ver tu emoción hecha vaho que despiden los labios más peligrosos de mi urbe. Aunque nunca conquistarás a esta mujer que ya se ha comprometido en amor con tu palabra.
 
                    (Del libro Los hombres intermitentes. Hiperión, 2006)
 
LECCIÓN DE PÁJAROS 
 
        Nevaba cinco o seis veces al año. Pero era de verdad, y los prados, las casas y los árboles amanecían cubiertos del color blanco que cegaba a los caballos. Éstos rompían con sus cascos la nieve, en busca de un poco de hierba sepultada, o golpeaban con el hocico las ramas, y morían después de comer las hojas de los tejos. Los pájaros, hambrientos, les despedían con un réquiem muy delgado.
 
       Veíamos el vuelo desorientado de los petirrojos y tordos, hasta que descubrían la abertura de la vivienda. Entraban en aquel túnel y caían a un desierto de oro: el suelo del desván cubierto de mazorcas de maíz.
 
        Algunas aves llegaban sin energía para comer los granos sobre los que enseguida se desplomaban. Yo, niño pequeño, apretaba con fuerza sus bultos para fundir los hielos de la muerte, y descendía rápidamente a la habitación donde una cocina de leña caldeaba los cuerpos de mi familia. Colocaba los pájaros cerca del horno.
Ardían unos troncos de manzanos y cerezos sobre los que esos pájaros cantaron el verano anterior. Los árboles cortados por el hacha de mi padre agradecían con el calor los cantos que aliviaron su vejez. 
 
       Esta fue la primera enseñanza. Vi pronto la sombra, aunque blanca, y el vuelo frágil que quería esquivarla. 
 
                    (Del libro Los hombres intermitentes. Hiperión, 2006)
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Philip Larkin

Philip Larkin

Philip Larkin ( West Midlands 1922 – East Riding of Yorkshire 1985)

Poeta y crítico de jazz. Sus afirmaciones reaccionarias y subversivas, en político como en todo lo restante, y su desprecio a los viajes, al matrimonio, a la sociedad, a la cultura y a todo lo vigente, excepto al jazz, en que fue una reconocida autoridad crítica, tuvieron algo de máscara, o mejor, de revestimiento externo de un método poético antirrromántico, basado en desinflar las ideas y los recursos literarios. Él mismo reconocía que le parecía muy sensato no dejar saber a la gente cómo es uno.

De su obra se han hecho famosos poemas como Posteridad (Posterity), y versos como:

They fuck you up, your mum and dad.
They may not mean, but they do…
 
(Te joden bien, tu mamá y tu papá.
Quizá sin querer, pero lo hacen…)
 

Pero ese aparente cinismo superficializador deja escapar a veces acentos de honda amargura, como en el poema Vers de société, en que, tras ir a rechazar una invitación, pensando en el hastío de las reuniones, acaba por aceptarla, sintiendo que, a su edad, la soledad es un anticipo de la nada:

Only the young can be alone freely.
The time is shorter now for company,
and sitting by the lamp more offten brings
Not peace, but other things.
Beyond the light stand failure and remorse
whispering Dear Warlorck-Williams: Why, of course…
 
(Sólo los jóvenes pueden estar solos libremente.
El tiempo para estar acompañado ahora es más corto,
y el sentarse junto a la lámpara más a menudo trae
no paz, sino otras cosas.
Más allá de la luz se yerguen fracaso y remordimiento,
susurrando: Querido Warlock: Williams: pues claro.)
 

El mundo no tiene por qué ser propicio al hombre, ni aun contar con su existencia: el apremio de la muerte, tras la soledad, se hace así más angustioso. Larkin, tras un primer libro, El barco del Norte (The North ship, 1945), demasiado cercano aún a Yats, alcanzó plena personalidad con La menos engañada o El menos engañado (The less deceived, 1955). El primer sentido es el de una cita shakespeariana en boca de Ofelia; el segundo, el de su aplicación al propio poeta; pero su mejor nivel, quizá definitivo , es el de Las Bodas de Pentecostés (The Whitsun widdings, 1960) y Altas ventanas (High Windows, 1974)

Todo un francotirador de la poesía del siglo XX.

Es raro no saber nada, no estar seguro
de qué es cierto o qué es justo o qué es real,
sino hablar con matices, eso creo,
o bueno, así parece:
alguien debe saberlo.

Antología philip larkin

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No más aditamentos

I
EL POEMA
I
¡No la toques ya más,
que así es la rosa!

Así comienza Piedra y Cielo, la obra de Juan Ramón Jiménez.

No es que le exija perfección, sino que la poesía en sí, poesía, sin aditamentos, sin complejos, sin añadiduras de adjetivaciones vacías no es otra cosa sino poesía.

La praxis de conjeturar sobre qué añadir al término poético, es caer en un sentido tácito de no entretejer correctamente la semántica tan extensa como es la de la Poesía.

Desde la poética de Aristóteles que bien clasificaba poesía épica y dramática, pasando por (dando grandes pasos históricos) por Varely, Maiakovsky, Sartre, María Zambrano… todos profundizan sobre la superficie del papel, indagan en los pliegues de la poesía, extrayendo su semiología, su semántica y léxico.

No obstante observamos constantemente en este mundo editorial y poético que el “fast-food” se ha estandarizado y que todo decae finalmente en una monotonía continua donde se adjetiviza POESÍA con decenas de calificativos, simplemente para edulcorar el envoltorio, pues el contenido es el mismo, buena o mala poesía.

La poesía localista española (y no la poesía española) avanza entre la cultura del todo vale y el deseo de institucionalización, entre la autogestión del todo es publicable y la mirada indiferente sobre los índices de lectura y la crítica que se caracteriza por un “me gusta o no me gusta”.

No obstante no criticamos la dinamización de la poesía que hacen pero algo que añadir, si la hicieran más cercana y más sincera, y con cierta lucidez, podríamos ir todos a una, a la Poesía…

¡No la toques ya más,
que así es la rosa!

 

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La poesía es para mi una apuesta vital, una manera de ser y de estar en el mundo. Antonio Orihuela

Antonio Orihuela

Una gran respuesta al vacío, un disparo preciso contra la ignominiosa sociedad, Antonio Orihuela, (Moguer, Huelva, 1965).

1. ¿Es necesaria la crítica o el compromiso que sea social, emocional, mental, temporal en la poesía actual?

Digamos que más que necesario el compromiso es consustancial al acto creativo, que es emocional, mental y esta fijado temporalmente en un contexto histórico donde la emoción, la intelección y el compromiso se definen y concretan. Otra cosa es el grado, la cantidad con que estos ingredientes aparecen en el poema y hacia qué lugares sociales, históricos, contingentes se dirija, esa varianza es lo que termina identificándonos como creadores en unos parámetros u otros, en el compromiso con lo dado o con la transformación de lo dado, en la crítica a lo dado o en la crítica a todo lo perjudique el inmovilismo. Quede dicho lo anterior porque creo que es necesario combatir el concepto de compromiso como atributo exclusivo de la izquierda cuando la realidad es que el compromiso con lo dado y la crítica a todo lo que perjudique o cuestione lo que se tiene por asentado es el habitual y el que con mayor ferocidad defienden los creadores. Sigue leyendo

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La poesía es ya de por sí una “transformación” de algo. Antonio Jiménez Paz.

Antonio Jiménez Paz

Una nueva entrevista, esta vez al poeta, crítico y ensayista.. en general, un gran escritor: Antonio Jiménez Paz. (Isla de la Palma, 1961)

¿Es necesaria la crítica o el compromiso sea social sea emocional, mental, temporal en la poesía actual?

 

Por supuesto que sí. Pero creo que la palabra clave de toda la pregunta tal como se me formula y a mi modo de ver es “compromiso”. A mí me parece que es el fundamento que debe o debería regir ya el hecho mismo de dedicarse a la escritura poética: compromiso del autor con su propia obra y, más que nada, para que pueda darse un compromiso entre su obra y el lector. Si hay fraude en alguna parte es en esta falta de idoneidad donde reside, de manera que quedará desvelado, a la luz del día, en ese posterior diálogo inexplicable entre lo que el autor elaboró y el lector capta…  Luego, vendrá la segunda cara de todo esto, pero ya más que nada por añadidura, por la voluntad misma del propio poeta: que le aporte crítica social, emocional, mental o la que sea ya eso depende de las circunstancias particulares en las que el autor se vea insertado y de las intencionalidades que crea convenientes para su propia obra. Pero eso de que la poesía es capaz de salvar al mundo es como poco parte de un cuento chino… De todas formas siempre hay algo de crítica en cualquier escritura, sea esta más velada o más visible. No hay que darle demasiadas vueltas al asunto: el poema siempre nace como poco con una nota discordante dentro, nunca al margen de las problemáticas o conflictos sociales en que se ve envuelto el propio poeta. La poesía es ya de por sí una “transformación”de algo.

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En la Nerea sensorial en estado más puro, fluía mejor en la poesía. Nerea Riesco

Nerea Riesco

La escritora Nerea Riesco (Bilbao, aunque su vida transcurre en Sevilla) responde a nuestra entrevista. Una escritora que hace realmente poco tiempo ha publicado su primer libro de poemas. Le deseamos la misma carrera que ha tenido hasta ahora, practicamente intachable.

1. ¿Es necesaria la crítica o el compromiso social, emocional, mental, temporal… en la poesía actual?

Desde luego; pero en la actual, en la pretérita y en la futura. La poesía es el YO en estado puro. Siempre he intentado convencer de mis “tesis” utilizando la literatura. Mis novelas están plagadas de ideologías políticas, sociales, emocionales… pero un día me di cuenta de que la prosa se me quedaba corta a la hora de expresar determinadas sensaciones. La sensualidad… la Nerea sensorial en estado más puro, fluía mejor en la poesía. Sigue leyendo

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La democracia no es perfecta. Tampoco la poesía. Carlos Salem

Carlos Salem

Carlos Salem, nacido en Buenos Aires en 1959 y llegado a España desde 1988.

1. ¿Es necesaria la crítica o el compromiso sea social sea emocional, mental, temporal en la poesía actual?

Creo que etiquetar “poesía actual” es como hablar del libro “del momento”, una actitud mecánica que sitúa la obra en un lugar destacado.., durante quince días. Ahora bien, sin compromiso, del tipo que sea, la poesía se quedaría reducida a sus vestidos. Y no me alcanza.  Por bellos que sean esos vestidos, lo que me importa es la carne que hay debajo. Y la carne se compromete con su tiempo, con sus urgencias y con sus emociones. Sigue leyendo

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Cuando hablo de poesía, hablo de vida. David González

David González, es decir: Poesía de No Ficción. Es decir, realismo, dureza, compromiso y aquí lo tenemos junto a su amistad y sus palabras.

David González

1.    ¿Es necesaria la crítica o el compromiso sea social sea emocional, mental, temporal enla poesía actual?

A mi juicio, sí es necesaria la crítica o el compromiso en la poesía actual. Quizá hoy más que nunca: tenemos tanta información, pero tan manipulada, que una poesía crítica social yo creo que es imprescindible: hay que hacer que la gente piense por sí misma y no por boca de voceros pegados y pagados al poder establecido. Sigue leyendo

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Toda poesía (la buena poesía) se compromete con algo. Luna Miguel

Una entrevista sobre la poesía… Sí, sobre la poesía. Estrenamos nueva sección de entrevistas, estrenándola con la poeta Luna Miguel (Madrid, 1990).

Luna Miguel

1. ¿Es necesaria la crítica o el compromiso sea social sea emocional, mental, temporal en la poesía actual

Es necesario: siempre ha sido necesario. Incluso un poemario que habla del Yo del autor y de su propia circunstancia, tiene algo de crítico y comprometido. Me vale la poesía de Manuel Vilas tanto como la poesía de, qué se yo, Ana Gorría. Con la primera lucho, abro los ojos ante este mundo, y con la Sigue leyendo

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